ПОЧЕМУ НЕКОТОРЫЕ ХУДОЖНИКИ СТАНОВЯТСЯ ИЗВЕСТНЫ ТОЛЬКО ПОСЛЕ СМЕРТИ? 

Профессию художника мы можем считать одной из древнейших. Ей тысячи и тысячи лет. Еще в каменном веке люди рисовали изображения сцен своей жизни на стенах пещер. Но задачи и навыки менялись. И если тогда человек рисовал, то несколько позже он начал писать. 

В истории мирового искусства насчитывается огромное множество величайших творений мастеров прошлых веков. Даже сейчас мы ощущаем сильнейшее влияние их труда на развитие нашей культуры, духовности, понимания прекрасного, диапазона мышления. Создатели этих полотен — настоящие гении, но не все из них были признаны таковыми при жизни и умерли в нищете и неизвестности. И только спустя десятки и сотни лет их творчество находит отклик у крупных ценителей искусства, а после и общества, вступает в равный диалог с современностью. С чем бы это могло быть связано? Почему и как это произошло? 

КТО ТАКОЙ ХУДОЖНИК? 

«Настоящие художники не обращают внимания на современников. Они выпендриваются перед вечностью» 

Эти ироничные слова принадлежат Шарлю Пьер Бодлеру — поэту и критику, классику французской и мировой литературы. Но и в этой шуточном высказывании есть доля правды. 

Художник — это творческая единица, которая реализует свои идеи, эмоции и видение в оригинальных, неповторимых работах, преследует некую цель. Тот, кому есть что сказать и показать обществу. Иногда же созданное им настолько ново, что современникам сложно осознать в полной мере увиденное на полотне. Поэтому случается, что точка зрения автора, его восприятие мира долго остаются непонятыми.  

В русском языке словом «художник» также обозначают людей, профессионалов в каком-либо творческом ремесле и даже специалистов высокой квалификации в любой другой сфере деятельности. Следовательно, можно считать, что это одновременно как и профессия, так и призвание.  

Чтобы достичь успеха в каком-либо виде искусства, человеку нужно не только годами учиться мастерству у опытных наставников, но и иметь особое, не похожее на чье-либо еще восприятие реальности. Овладев теорией цвета, различными техниками, изучив историю создания шедевров мировой живописи, без желания творить истинный художник никогда не состоится. Истинный творец черпает вдохновение в реальном мире и создает гениальные шедевры буквально из пустоты, а в арсенал его навыков должны входить хорошо развитая визуальная память, самоорганизация, высокая работоспособность, постоянное самосовершенствование, знание истории искусств, терминологии, материалов. 

Звание художника гордо могут носить люди десятка творческих профессий. Для себя же мы выделим около десяти основных: живописцы, скульпторы, графики, архитекторы, дизайнеры, фотографы, ювелиры, гончары, стеклодувы, резчики. 

А ГДЕ ЖЕ ВЕЛИКИЕ ХУДОЖНИЦЫ? 

Вспоминая о том, кто такой великий художник, может всплыть новый, более узкий, но не менее интересный вопрос: “почему все они мужчины?” Неужели только они обладают талантом творить? Давайте разбираться. 

Возьмем в качестве базы для наших рассуждений эссе 1971-года издания американского историка искусств, профессора и писательницы, одной из ведущих специалисток в области изучения истории феминистского искусства Линды Нохлин “Почему не было великих художниц?” 

«Теперь мы можем подойти к нашему вопросу с более разумных позиций, ибо вероятно, что ответ, почему же не было великих женщин-художниц, кроется не в природе индивидуальной гениальности или в ее недостатке, но в природе существующих социальных институтов и того, что они запрещают или поощряют в отношении разных общественных классов и групп». 

Отдельно отметим, что мы говорим не о современности, а о XVIII-XIX веках, когда настроение общества и моральные принципы достаточно отличались от наших. Понимание этого факта поможет глубже разобраться в природе поднятой нами темы. 

В представленном тексте автор Линда Нохлин поднимает такие проблемы, как отсутствие свободного доступа женщин к работе с обнаженной натурой любого пола, незаинтересованность со стороны родственников художников (часто именно они подталкивали известных нам сейчас мастеров реализоваться в искусстве), дискриминация, недопущение участия женщин в конкурсах вплоть до конца XIX века, ожидание принесения в жертву себя, карьеру, увлечения ради семьи, полное обесценивание успехов. Первый факт из перечня перечисленных является для художника основной его ученичества, важным фактором для любого произведения искусства с претензией на великолепие и всей исторической живописи. Лишить ученицу этой последней стадии обучения означало ограничить ее возможности создавать что-либо значительное.  

Почти невероятно, что отрезанные от поощрений, образовательных возможностей и вознаграждений за работу женщины в каком-то количестве все же продолжали упорно добиваться профессионального успеха в искусстве. Поэтому ответом на поставленный вопрос будет то, что великие художницы в истории мирового искусства есть, все дело в непризнании их таковыми. 

ЧТО ТАКОЕ ИСКУССТВО? 

Для того, чтобы более глубоко понять суть поставленной темы, необходимо обсудить, что понимается под настоящим искусством, какие полотна выставляются в музеях, кому они принадлежат, и почему некоторые картины могут стоить миллионы долларов. 

О том, что такое настоящее искусство, нам рассказала искусствовед МГУ Полина Павлович: 

«Это неоднозначный вопрос, потому что точных рамок у такого понятия, как искусство, нет. Поэтому всегда нужны некие системы координат, в которых оно существует. Если говорить о классическом искусстве, то, безусловно, тут есть две важные категории. Во-первых, категория качества, которое стоит на том, что большой художник, настоящий художник всегда обладает фантастической выучкой. Это сейчас мы можем очень модно называть насмотренностью, то есть огромным кругозором и владением знаниями в большом количестве областей, а не только в своей. Выучка в том числе непосредственно ремесленная. Естественно, художник в широком смысле слова будет оцениваться по своим работам, но есть и те, которым иногда достаточно сделать лишь одну вещь, после чего они все равно навсегда останутся в истории. Во-вторых, для того, чтобы до конца осознать ценность работ и талант автора необходимо немало времени. Есть такой условный срок давности, примерно хотя бы 50 лет. И только потом мы можем говорить, что это не просто барахло, а винтаж, не просто старое произведение искусства, а антиквариат. Это, естественно, формируют не только те вещи, которые я сказала, но и общая ситуация, происходящая вокруг. На это имеют огромное влияние и политические события, и экономические, и социальные. Без этого невозможно. Художник — существо социальное в этом плане».

Следовательно, искусство — это не только эстетика и субъективное воспроизведение действительности, но и целое стечение внешних обстоятельств и внутренних качеств. Иногда даже воля случайности. Приведем в пример русского художника рубежа XIX-XX веков Михаила Врубеля (1856-1910). За свою не очень долгую жизнь (всего 54 года), в которой были самые разные периоды, несмотря на разносторонность в творческом плане и умение работать практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства (живописи, графике, декоративно-прикладных ремёслах, скульптуре) он должен быть благодарен судьбе за встречу с несколькими меценатами. Они помогли вписать его фамилию в историю. Не случись бы их, художник со своим сложным характером, скандальной репутацией, алкогольной зависимостью, постоянным отсутствием средств на существование и нестабильной психикой мог бы легко впасть в абсолютную безвестность. Но этого, к счастью, не случилось. 

А если бы встречи с меценатами не состоялись? Вполне возможно, что о Врубеле мы узнали бы только в недавнем времени, как и происходило со многими художниками, которым повезло гораздо меньше. Трудно спорить с тем, что у Михаила Врубеля был дар. Его работы, сочетающие в себе яркую декоративность формы с драматичным содержанием, завораживают.  

КАК СОЗДАЕТСЯ ШЕДЕВР? 

Под шедевром принято понимать результат художественной деятельности, исключительный по своим характеристикам предмет искусства. Это что-то уникальное, доказывающее зрителю своим исполнением мастерство и непревзойденность автора. 

Ни для кого не секрет, что зачастую имя человека в столетиях прославляет его детище — результат кропотливого труда, иногда даже серьезных лишений. Для художника же — это его произведение, которое впоследствии может быть признанным многими поколениями культурным наследием. Но по каким меркам это определяется? 

«Это баланс того, что в случае классического искусства должно быть великолепно сделано, даже если берем только живопись, в каждой специфике времени, стиля и техники. Идеально сделанная работа эпохи Возрождения — это неидеально сделанная работа импрессиониста. Один другого бы просто не понял. Это, по сути, немножко свое. Кстати, к вопросу может быть не об известности, но об абсолютной противоположности: импрессионизм — это то искусство, которое не принималось публикой и стоило смешные деньги по сравнению с тем, что стоили салонные академисты. Здесь история именно про то, как много делает меценат и коллекционер для художника», — объясняет Полина. 

Но где сейчас мы наблюдаем эту салонную живопись? Сегодня она не выставляется в музеях и вызывает у современного зрителя только неприятные эмоции из-за своей слащавости и непонятности, отсутствия новаторства, смысловой глубины, наивности прочтения. Единственное, чем она могла похвастаться — это большим спросом у любителей такого рода картин и хорошей техникой, но даже тогда, в середине XIX века, салонных художников было настолько много, что их фамилии мало кто знал. Поэтому термин в русском языке “салонный” стал означать “пошлый” и “безвкусный”. Хотя нельзя сказать, что с точки зрения исполнения работа дурно сделана. Проблема такого искусства, страдающего мимикрией под истинное — это следование моде и запросам людей с плохим вкусом, чье непонимание настоящей природы прекрасного было далеко от идеала. В картине мы должны видеть индивидуальность. 

Исходя из слов искусствоведа Полины Павлович мы понимаем, что эпоха, в которую жил художник, играет серьезную роль в его творческом пути. Из-за этого обстоятельства гении, опережающие мышление своего поколения и, может быть, нескольких следующих, остаются непонятыми, и только спустя время их полотна находят  отклик у миллионов любителей искусства. 

«Та известность, которая сейчас есть у Леонардо Да Винчи, те цифры, которые мы видим на аукционах, поражают. Но это было бы невозможно представить ни при его жизни, ни после его смерти долгие-долгие века. А все дело как раз в изменениях социокультурного климата, о котором мы подробнее поговорим ниже. Многозадачность, неоконченность, вывереность, математичность художника только в недавнем времени нашли свое заслуженное признание, до этого творец оставался непонятным обществом». 

ПОЧЕМУ НЕКОТОРЫЕ ХУДОЖНИКИ СТАНОВЯТСЯ ИЗВЕСТНЫ ТОЛЬКО ПОСЛЕ СМЕРТИ? 

«Это вопрос про ситуацию вокруг, про социокультурный климат, про политическую и экономическую ситуацию, о которых я говорила выше, потому что иногда художник настолько резко противостоит тому, что грубо можно назвать режиму. Его совсем не принимают, если он полностью выпадает из этих субкультурных, экономических и политических рамок, то он может быть совершенно неизвестен. Но ситуации бывают и прямо противоположные. В истории существовали художники, такие как Рубенс, которые были очень известны при жизни, зарабатывали сумасшедшие деньги. Еще один пример — Пабло Пикассо. Но Пабло Пикассо прошел путь от абсолютного отщепенца, человека, которого никто не понимал, до человека, который при жизни обладал невероятной славой. Он был тем, кто тогда еще мог надевать темные очки». 

Делаем вывод, что художник — это новатор, человек с усложненным, нетипичным для той эпохи, когда он жил мышлением, иными словами, гениальностью. Из-за этого многие, кто прославился только после смерти, были зажатыми людьми, а иногда, как некоторые считают, даже психически нездоровыми.  

ТЕ, О КОМ ВСЕ УЗНАЛИ ПОСЛЕ ИХ СМЕРТИ 

Генри Дарджер (12 апреля 1892, Чикаго — 13 апреля 1973, Чикаго) — американский андерграундный художник-иллюстратор и писатель, автор фэнтезийных до сих пор неопубликованных романов, которые насчитывают тысячи страниц. Его работы, представляющие из себя иллюстрации к собственным книгам на данный момент являются образцом направления ар-брют и продаются за сотни тысяч долларов.  

Ар-брют или искусство аутсайдеров — вид грубого, неотшлифованного искусства, появившийся в середине прошлого века. Это понятие ввел французский художник Жан Дюбюффе для обозначения его личной коллекции картин, нарисованных детьми, психически нездоровыми людьми, примитивистами, дикарями. 

Всю свою жизнь Генри Дарджер проработал уборщиком в больнице, а среди знавших его людей считался чудаком и отшельником. Он не учился рисовать, поэтому техники отрабатывал и искал самостоятельно. Сначала это были коллажи, но от них Генри отказался, так как на поиск исходников уходило слишком много времени. Им на смену пришли трафареты. Его работы были найдены незадолго до смерти в собственной квартире, полной мусора, который тот тащил с улицы. 

Кто-то творчество художника называет маргинальным из-за соединения наивной сентиментальности с излишней жестокостью, а его самого считает “серийным убийцей”, сдерживающим свои порывы рисованием. Другие говорят, что ни в нем, ни в его работах нет чрезмерной агрессии, а все сцены на бумаге посвящены тонкой критике католичества. Что правда, а что ложь сказать точно сложно. Но очевидно то, что Генри Дарджер интересен и обсуждаем.

 

Винсент Ван Гог (30 марта 1853, Зюндерт — 29 июля 1890, Овер-сюр-Уаз) — нидерландский художник-постимпрессионист, чье имя сегодня знает абсолютно каждый. Сейчас его картины, число которых составляет более двух тысяч, стоят миллионы долларов. При жизни же он смог продать лишь одну. Это был пейзаж «Красные виноградники в Арле». Её стоимость составила 400 франков. 

Ван Гог тоже не получал специального художественного образования. Хотя в 1880 году он поступал в Королевскую Академию художеств Брюсселя, но вскоре же бросил, так как не справился с обучением из-за своего неуравновешенного характера, а вся его карьера длилась коротких 10 лет.  

Он путешествовал по миру, работал в галереях, торговал живописью, учился у родственника, художника-пейзажиста Антона Мауве в Голландии, где создал свои первые живописные работы: «Натюрморт с капустой и деревянными башмаками» и «Натюрморт с пивным стаканом и фруктами», после продолжил обучение в Бельгии, а позже в Париже у брата Тео.  

Неотъемлемая часть личности художника для нас — это сумасшествие, из-за которого Ван Гог портил отношения с близкими для себя людьми, терял здоровье и саму жизнь. Но он именно тот, чьи работы оказали вневременное влияние на всю живопись XX века.  

Ян Вермеер (31 октября 1632, Делфт — 15 декабря 1675, Делфт) — нидерландский художник-живописец. До наших времен не дошло практически никаких записей о его жизни, но точно известно, что он — мастер бытовой живописи и жанрового портрета. Вермеера принято считать одним из самых талантливых последователей Терборха, а его самого — вершиной голландского искусства золотого века. 

Как при жизни, так и некоторое время после смерти картины мастера не пользовались особым спросом у публики. Многое было растеряно. 

Ян Вермеер руководил художественной гильдией Святого Луки, но дохода это практически не приносило. Позже ему пришлось покинуть свой пост из-за смерти отца. Прекрасно разбирался в искусстве, мог отличить оригинал от подделки. Обрел постоянных покровителей-меценатов: Хендрика ван Буйтена, местного пекаря, и Якоба Диссиуса, владельца печатной мастерской. Но последние годы жизни живописца омрачились нуждой. Он столкнулся с необходимостью брать кредиты, просить взаймы и сводить концы с концами. Художнику было всего 43 года, когда он ушел из жизни. Предположительно, из-за сильного нервного истощения. 

Сегодня ученые и искусствоведы говорят о 16 признанных картинах Вермеера, стоимость которых доходит до 100 миллионов долларов.